Секреты мастерства или "Звук из баночки"

Прогуливаясь как-то раз по вернисажу с моим другом-художником, я заметил, что броско написанные картины, которые выглядели на первый взгляд эффектно, не производили на него должного впечатления. Мне же они казались привлекательными, хотя что-то все же смущало. Немного позже он мне поведал, что такие работы на самом деле не имеют художественной ценности, потому что написаны аматорами.

Недавно слушал выступление одного симфонического оркестра, и все время ловил себя на мысли, что испытываю какое-то двойственное чувство удовольствия и дискомфорта одновременно. Прекрасно построенная форма с кратностью темпов в крайних частях цикла; правильно выверенные кульминации; продуманный динамический план и внешний лоск исполнения. Казалось бы, чего еще желать от оркестра среднего уровня. Но смешанное чувство не покидало, быть может, потому, что в искусстве не бывает среднего уровня, а есть дилетанство или профессионализм.

В художественной школе, когда детей учат рисовать, педагог объясняет, что писать чистыми красками "из баночки" непозволительно, так как это не профессионально. Для создания настоящих картин всегда используют "сложный цвет". Именно умение смешивать краски, добиваясь необходимого тона и света, в сочетании с техникой мазка и определяет уровень мастерства художника. Такое понятие в живописи называется колористикой.

Жаль, что в наших консерваториях так мало внимания уделяют музыкальной колористике, которая подразумевает работу над тембром, образующимся при помощи "смешивания" интонации, штриха, культуры звука, динамики и прочих компонентов. Но что простительно студенту, то непозволительно профессионалу, ведь именно искусство сочетания музыкальных ингредиентов на фоне стиля эпохи и определяет завершенность образа, которым можно наслаждаться, не испытывая двойственного чувства. Но это происходит лишь тогда, когда у дирижера наступает понимание, что недопустимо пользоваться "звуком из баночки" и, что:

ТЕМБР - ЭТО КОЛОРИСТИКА ЗВУКА